«Περιβάλλον και Τέχνη». Μια παρουσίαση στους μαθητές/τριες του σχολείου μας.

Την Πέμπτη  29/02/2024   η δασκάλα των εικαστικών του σχολείου μας, κυρία Χριστούλη, παρουσίασε στους μαθητές όλων των τμημάτων το θέμα ‘Περιβάλλον και Τέχνη’.
Πιο κάτω μπορείτε να δείτε μια περίληψη του κειμένου της παρουσίασης και φωτογραφίες από την εκδήλωση:
«

Το φυσικό περιβάλλον είχε πάντα έναν χώρο στον τομέα της τέχνης, επιστρέφοντας στις παλαιολιθικές σπηλαιογραφίες, που συχνά περιείχαν αναπαραστάσεις ζώων ή φυτών. Καθώς η τέχνη και οι μορφές της εξελίσσονταν κατά τους αιώνες, οι εκφράσεις του φυσικού περιβάλλοντος βλέπονταν μέσα από μορφές όπως τα τοπία ζωγραφικής, που περιλάμβαναν τον καλλιτέχνη να ζωγραφίζει ένα περιβάλλον ενώ καθόταν μπροστά του, αναπτύσσοντας μια βαθιά σύνδεση με το φυσικό περιβάλλον τους. Αυτό μπορεί να διακριθεί στις ζωγραφιές του Τζον Κόνσταμπλ, όπως το “Cloud Study: Stormy Sunset” (1821 – 1822) καθώς και στις περισσότερο βιομηχανοποιημένες σειρές του Κλοντ Μονέ, όπως το “Houses of Parliament” (1904).

Η περιβαλλοντική τέχνη είναι ένας ευρύς όρος που περιλαμβάνει μια σειρά από διαφορετικά κινήματα, τα οποία φέρουν τον ίδιο στόχο, την προστασία του περιβάλλοντος μέσω ή από την τέχνη. Μερικά από αυτά τα κινήματα είναι η Οικολογική τέχνη, η Earth Art, η  Land art, η Sustainable art κ.ά.

Με τη συνεχή υποβάθμιση του περιβάλλοντος και τη διευρυνόμενη παγκόσμια συζήτηση, οι περιβαλλοντικοί καλλιτέχνες άρχισαν να προσαρμόζουν την τέχνη τους. Οι καλλιτέχνες άρχισαν να εκφράζουν τον τρόπο με τον οποίο το περιβάλλον πεθαίνει αντί να εκφράζουν απλά την ομορφιά του. Το κίνημα αρχίζει να αναδύεται τη δεκαετία του 1960, με δημιουργούς όπως ο Piotr Kowalski και ο Robert Smithson.

Η περιβαλλοντική τέχνη εξελίχθηκε, ενσωματώνοντας την έκφραση της χρήσης του χώρου και χρησιμοποιώντας το φυσικό περιβάλλον για να δημιουργήσει ένα μήνυμα. Η αναζήτηση νέων τοποθεσιών σήμαινε ότι οι καλλιτέχνες αφαιρούσαν τη δύναμη από την εγκαθιδρυμένη βιομηχανία και ρωτούσαν γιατί απαιτείται αυτή η εμπορευματοποίηση της τέχνης. Ο κύριος στόχος των καλλιτεχνών του περιβαλλοντικού κινήματος είναι η έκφραση της σχέσης ανάμεσα στους ανθρώπους και το περιβάλλον, συνδυάζοντας το φυσικό περιβάλλον με το έργο τους.

Η βιωσιμότητα στην τέχνη παρουσιάζεται με διάφορες μορφές τέχνης, όπως για παράδειγμα η η Land Αrt και η Upcycling Art. Το έργο του καλλιτέχνη Olafur Eliasson συνοψίζει τον τρόπο με τον οποίο οι καλλιτέχνες χρησιμοποιούν βιώσιμα υλικά για να υπογραμμίσουν τον κίνδυνο της κλιματικής κρίσης. Στην εγκατάστασή του το 2014 με τίτλο “Ice Watch”, ο καλλιτέχνης χρησιμοποίησε μεγάλα κομμάτια πάγου που είχαν πέσει από έναν παγετώνα, ως έκκληση προς ευαισθητοποίηση.

Η Land art, χρησιμοποιεί υλικά που προέρχονται από τη φύση για να δημιουργήσει έργα τέχνης που συχνά λαμβάνουν χώρα σε απομακρυσμένες τοποθεσίες με σκοπό να τονίσουν περαιτέρω τη δύναμη και την ομορφιά της φύσης. Οι καλλιτέχνες αυτού του κινήματος παράγουν γλυπτά που χρησιμοποιούν ηλιακούς, αιολικούς, υδροηλεκτρικούς, παλιρροϊκούς και γεωθερμικούς πόρους για τη δημιουργία κίνησης και ενέργειας.

Η Upcycling τέχνη κατά την οποία ο καλλιτέχνης χρησιμοποιεί υλικά που προηγουμένως θεωρούνταν άχρηστα, ανεπιθύμητα ή κατεστραμμένα, αποτελεί μια μορφή βιώσιμης τέχνης που έχει κερδίσει έδαφος τα τελευταία χρόνια.

Ως αρχή της επανάχρησης αντικειμένων μπορεί να θεωρηθεί η δεκαετία του 1910, με την εμφάνιση των Readymades στη Γαλλία. Τα έργα που εντάσσονται σε αυτή την περίοδο, ήταν εν μέρει ή εξ ολοκλήρου φτιαγμένα από τη σύνθεση υπαρχόντων αντικειμένων, κυρίως βιομηχανικά κατασκευασμένων. Η ανανοηματοδότηση των αντικειμένων αυτών σε μια νέα φόρμα ασκούσε έντονη κριτική στους καλλιτεχνικούς θεσμούς και τις θεωρίες περί ωραίου, ενώ παράλληλα έχουμε μια πρώτη σαφή αναφορά στη βιομηχανία σε μελλοντικό και παρόντα χρόνο. Η έκθεση των ready made στο μουσείο, χώρο που φιλοξενεί και αναδεικνύει τον πολιτισμό, συμπεριλαμβάνει για πρώτη φορά εκθέματα που παρουσιάζουν το σκουπίδι ως κατάλοιπο της μεταβιομηχανικής κατάστασης, εξισώνοντάς το με κλασικά εκθέματα. Ο πρώτος καλλιτέχνης που εκθέτει ένα ready-made έργο είναι ο Marcel Duchamp με τον “Ουρητήρα/Fountain” το 1917, και ακολουθούν πολλά, όπως το πλέον διάσημο “Κεφάλι Ταύρου” του Πικάσο, αρκετές δεκαετίες αργότερα, το 1942.

Η Arte Povera, κίνημα που άνθισε τη δεκαετία του ’60 κυρίως στην Ιταλία, χρησιμοποίησε τη μέθοδο της αναπλαισίωσης των ανθρώπινων απορριμμάτων, με στόχο την άμεση αναφορά σε κοινωνικά ζητήματα όπως η φτώχεια, η κακή διαχείριση του πλούτου, η αστυφιλία, η υπερκατανάλωση, και γενικότερα επιχείρησε μια σύγκριση της προβιομηχανικής εποχής με την εποχή του υπερκαταναλωτισμού. Χαρακτηριστικοί εκπρόσωποι είναι ο Γιάννης Κουνέλης, ο οποίος μεταξύ άλλων εκθέτει πραγματικά τα πάντα, από άλογα σε μια γκαλερί μέχρι και αυτούσιες Γκαραζόπορτες καταστημάτων,

 

και ο Michelangelo Pistoletto, ο οποίος παρήγαγε έργα εμβληματικά της κριτικής στον καταναλωτισμό και στις βιομηχανίες μόδας, όπως το Venus of the Rags του 1967 .

Η επανάχρηση στην Junk Art παίρνει τη μορφή ανακύκλωσης (recycled art) σκουπιδιών και απορριμμάτων της καθημερινότητας, κάνοντας αναφορά τόσο στην υπερκατανάλωση όσο και στην υπερ-απόρριψη που χαρακτηρίζει την εποχή μας. Ο καλλιτέχνης Arman φτιάχνει τη σειρά Accumulations (1961), δείχνοντας την υπερ-φθορά και τη δραματική αύξηση προϊόντων μιας χρήσης, ενώ ο César Baldaccini συμπιέζει προϊόντα, από κουτάκια coca cola μέχρι ολόκληρα αυτοκίνητα, σε ένα νέο γλυπτικό corpus που αναφέρεται στο compact και στην εξατομίκευση της εμπειρίας του καταναλωτισμού. Τέλος ένα από τα πιο σοκαριστικά έργα του 20ού αιώνα είναι η τοποειδική εγκατάσταση του Vince Hannemann, ο οποίος μετέτρεψε την αυλή του στο Τέξας σε έναν “Ναό Σκουπιδιών”, ονομάζοντας έτσι και το έργο του. Από το 1989, κυριολεκτικά χτίζει έναν χώρο προσκυνήματος στα σκουπίδια που ο ίδιος απέρριπτε επί 30 χρόνια.

Βιβέττα Χριστούλη»